No Laws. No Limits. One Rule. Never Fall In LoveLove.
Este musical, del director Baz Luhrmann, escrita por el mismo director en compañía de Craig Pearce, cuenta la historia de un poeta (Ewan MacGregor) quien se enamora de una bella cortesana (Nicole Kidman), a quien un celoso duque codicia. Su música data del S. XX, sin embargo tiene una soundtrack que viene en un álbum doble y entre los artistas que constituyen la creación de las canciones de la banda sonora se puede mencionar a: Craig Armstrong,Elthon John, Marius De Vries, Beck, David Bowie, y muchos más. Definitivamente, una banda sonora muy rica en variedad de estilos y de épocas.
Moulin Rouge (en español significa Molino Rojo) es un cabaret tradicional, construido en 1889 por Josep Oller. Está situado en el distrito luz roja de Pigalle en el Boulevard de Clichy, al pie de Montmartre, en París, Francia. El Moulin Rouge es un símbolo emblemático de la noche parisina, el edificio posee una rica historia que aún continúa.La importancia del Moulin Rouge, hoy día es que ha trascendido en nombre y época. En la película se logró recrear la época por medio de la ambientación. Fue filmada en Fox Studios; Sidney, New South Wales, Australia & Madrid, Spain.Ganó el premio Oscar como Mejor Dirección de Arte y Decoración en Set, la cual estuvo a cargo de Catherine Martin y Brigitte Broch, respectivamente. Asimismo, ganó el Oscar como mejor vestuario, que estuvo a cargo de Catherine Martin y Angus Strathie.
... Y más premios: Ganó en los premios AFI Film, como el compositor del año, Craig Armstrong. Así como al mejor editor del año, Hill Bilcock.
La película relata una historia típica de amor imposible, entre un pobre escritor y Satine, quien muere de tuberculosis, que es la enfermedad de ese tiempo. Con esto retrata una época, una realidad social, y al mismo tiempo se logra recrear un mundo de fantasía mediante las coreografías y las canciones. A final de cuentas, un musical bien llevado a cabo. Con grandes sorpresas a lo largo de la historia. Mantiene un buen ritmo.
Y sin duda las actuaciones de Nicole Kidman y Ewan MacGregor, así como sus interpretaciones, las cuales sí son reales, son ellos mismos quienes cantan las piezas que conforman el musical y que al mismo tiempo, por su puesto son el soundtrack de la película. Por ahí se cuestiona si es Nicole Kidman quien realmente interpreta la canción “Hindi Sad Diamonds”, porque hay una parte que tiene una nota muy alta.
la escena favorita!
Elephant Love Medley
Es un mix de las canciones: "All You Need Is Love" / "I Was Made For Lovin' You" /"One More Night" / "Pride (In The Name Of Love)" / "Don't Leave Me This Way" / "Silly Love Songs" /"Up Where We Belong" /"Heroes"/ "I Will Always Love You" / "Your Song".
Nada mejor para evocar estas imágenes parisinas que esta película del Moulin Rouge! y la música que la acompaña!
En este viernes previo a la “Semana Santa”, quisimos ponernos muy adhoc con la temporada y les pusimos la banda sonora de “La Pasión de Cristo”, la música de esta película es relajante, tranquila, apenas adecuada para esta semana en que terminamos segundos parciales. Dirigida por Mel Gibson en el año 2004, definitivamente una película que levantó polémica –sobretodo en la comunidad judía- debido a las violentas escenas que se desarrollan a lo largo de la película. La trama se parece en mucho a las representaciones del “Via crucis”, toda una tradición en muchos lugares de nuestro país. La pasión de Cristo es un filme en el cual se recrean las últimas 12 horas de la vida de Jesús de Nazareth, desde el momento en que acude al Huerto de los Olivos, a orar tras la última cena, enfrentándose a las tentaciones del diablo; narra la traición de Judas Iscariote, quien ayuda a que lo arresten para ser juzgado por blasfemia, según denunciaban los fariseos. Jesús es presentado ante Pilatos, el Gobernador Romano de Palestina, quien escucha las acusaciones levantadas contra él y se da cuenta de que se trata de un conflicto político, delegando el asunto en el Rey Herodes que no tarda en devolverlo a las autoridades romanas para ser juzgado. Pilatos da a escoger al pueblo a quien debe liberar, La multitud salva a un ladrón llamado “Barrabás” y condena a Jesús, quien es flagelado y castigado por soldados romanos. Jesús camina por Jerusalén con la cruz a cuestas, se dirige a Gólgota, donde será crucificado. Ahí, clavado en la cruz dice sus últimas palabras “En tus manos entrego mi espíritu” El guión de esta película fue escrito por el mismo Mel Gibson en colaboración con Benedict Fitzengarld. Es una adaptación de los relatos sobre la pasión que recogen los textos bíblicos, concretamente los evangelios según San Mateo, San Marcos, San Lucas y San Juan. Algo interesante de esta película son los idiomas, ya que cada uno de los personajes habla en la lengua original que tenía en aquella época. Entre los distintos lenguajes que podemos escuchar dentro de la película tenemos: Arameo, latín coloquial, griego, entre otros. Para lograr la ambientación necesaria para esta película, la cuidad de Jerusalén fue reconstruida en los estudios “Cinecittà” a las afueras de Roma, el decorado estuvo a cargo del Diseñador de producción Franciasco Frigeri y el Diseñador de Decorados Carlo Gervasi. La reconstrucciónd e la cuidad abarcó el templo donde el tribunal religioso juzga a Cristo, el patio en el que tienen lugar varias audiencias ante el Palacio de Pilatos y la Cámara en la que Jesús es golpeado y azotado. Si hablamos del lado artístico y creativo de esta película, no podemos dejar de mencionar el trabajo del Director de Fotografía: Caleb Deschanel, quien (por petición de Mel Gibson) creó para la película una atmósfera similar a la de las obras del pintor Barroco italiano Caravaggio, cuyas imágenes son reconocidas por el naturalismo que hay en sus contrastes y sombras. Para lograr algunos de estos efectos de luz, muchas de las escenas fueron rodadas de noche, para conseguir el efecto de la luz abriéndose paso entre la oscuridad. En esta película, el arte estuvo hasta en el detalle más ínfimo. El vestuario fue cuidadosamente diseñado por Mauricio Millenoti, diseñador galardonado por su trabajo en vestuario de obras como “Hamlet”, “LA importancia de llamarse Ernesto”, entre otras. En cuanto al maquillaje de los personajes, para lograr la imagen deseada por el director, el actor James Caviezel, protagonistadel filme, soportaba sesiones de maquillaje de hasta 7 horas. Esto fue para rodar las escenas finales de la película, debido a lo complicado que resultaba maquillar heridas y sangre, llenos del atormentado realismo que se buscaba proyectar. Un dato curioso acerca de esta película fue su cambio de nombre. El 17 de octubre de 2003, la compañía productora de Gibson anunció que el título de la película, The Passion (La Pasión), había sido cambiado a The Passion of Christ (La Pasión de Cristo) debido a que The Passion había sido utilizado en otra producción y los derechos de autor se encontraban reservados. A la semana siguiente Gibson anunció que se había llegado a un acuerdo con la distribuidora Newmarke Films para la distribución de la película. ¿Más datos curiosos? * La película fue proyectada al Papa, quien declaró que "así ocurrió", y la posición de la Iglesia católica ha sido en general favorable. * Además de los evangelios, el guión tiene como fuente los escritos de la religiosa alemana Anne Catherine Emmerich. * No hay créditos de apertura al comienzo de la película. * Gibson tenía a un sacerdote canadiense celebrando una multitudinaria misa católica en latín todos los días antes del rodaje. * Durante el rodaje Caviezel fue alcanzado dos veces por un rayo y durante la flagelación fue azotado accidentalmente en dos ocasiones. * No aparece el título de la película hasta el final. Antes de poner la última canción de este programa, compartimos con ustedes una declaración que hizo Mel Gibson acerca de la película durante una entrevista: Quería que fuera chocante. Y quería que fuera extrema... Para que vieran la enormidad, la enormidad del sacrificio; para que vieran que alguien pudo soportar todo ello y, sin embargo, continuar transmitiendo amor y perdón, incluso después de un dolor, sufrimiento y ridiculización extremos. Tengo la esperanza de que esta película llena de coraje y sacrificio, inspire tolerancia, amor y perdón, que es lo que necesitamos en este mundo últimamente”
Ellen Page sugirió que su personaje “Juno” fuera fan de la música de Kimya Dawson y de The Moldy Peaches. Estas bandas forman parte del soundtrack de la película Juno y tienen una música muy particular. No sólo estas bandas sino todas las que conforman el soundtrack en el que participan entre otros: Belle & Sebastián, The kinks, Cat Power y por supuesto el creador musical, Mateo Messina.
El viernes pasado hablamos de JUNO, una película estadounidense realizada en 2007, actualmente en cartelera, ampliamente recomendada por nosotras (Ely y Lola). Dirigida por Jason Reitman y nominada al Oscar en cuatro categorías, entre ellas: mejor Película, mejor actriz y mejor dirección; ganadora en la categoría de Mejor Guión Original. El guión fue escrito por Diablo Cody (quien antes de ser ganadora del oscar era stripper y escritora de blog) y narra la historia de una adolescente de nombre Juno Macguff (Ellen Page), muy inteligente e ingeniosa para su edad, que mantiene una relación con un compañero de su clase llamado Paul Bleeker (Michael Cera) y queda embarazada. Tiene sólo 16 años y su carácter sarcástico le ayuda a superar esto, primero piensa en abortar, después decide dar el hijo en adopción. ¿El problema? Enfrentarse con sus padres. Algunos datos curiosos de la película: El teléfono de hamburguesa que aparece en la película es de la guionista, Diablo Cody. El teléfono de hamburguesa también aparece en el cuarto de Bleeker, aparece en el fondo como decorado. Cuando estaban buscando padres potenciales para el bebé, Juno dice que ella está buscando alguien ‘cool’, algo así como un “diseñador gráfico”. En la vida real, tanto Juno (en realidad el padre de Ellen Page) como el ex esposo de Diablo Cody son diseñadores gráficos. La canción que Mark y Juno tocan y cantan juntos es “Anyone Else But You” de The Moldy Peaches. El título original de la película iba a ser Junebug, pero se cambió para evitar confusiones con la película que llevaba el mismo nombre y que se estrenó en 2005, donde participa la actriz Amy Adams. En un punto de la historia, cuando Juno visita a Mark, él está sentado frente a su computadore leyendo el blog de Diablo Cody, el verdadero conocido como “The Pussy Ranch”. Para quienes les interese, la dirección es: http://diablocody.blogspot.com/ . Al parecer esta escritora tiene un futuro prometedor, al menos un futuro próximo. Al parecer ya está en negociaciones para la realización de otros guiones. El director musical que fue Matt Messina, quien hizo una selección muy adecuada de la música de acuerdo a cada fragmento de la historia; en general las letras son inocentes y tiernas, tal como la trama misma del filme. Por ejemplo, tenemos la participación de Kimya Dawson, quien en su página oficial describe su música como algo que te hace sentir como si tuvieras un amigo justo junto a ti, susurrándote al oído. “…Y lo tienes. Kimya es tu amiga”. Bueno así lo describen ellos, pero en realidad lo importante de su música es que “nuestra música es como uno de esos bichos raros que te hacen sentir como si ella te necesitara tanto como tú la necesitas a ella” Sus canciones te hacen sentir necesitado e importante a la vez. Es una dicotomía, que va muy adhoc con el tema del embarazo, que es un ser humano que necesita de su madre y viceversa. La verdad una muy buena selección musical. Para aquellos que quieran saber un poco más de Kimya Dawson y su peculiar música, pueden visitar su sitio oficial, en ella vienen todas las letras de sus canciones, las cuales son muy originales. Al respecto del humor sarcástico e irónico de la película, no podemos dejar de mencionar algunas frases dichas dentro de este filme: • Cuando Paulie Bleeker se ofrece a cargar la mochila de Juno (después de haber discutido un poco) y ella le dice: “Esta bien, son solo otras 10 libras” • “Todo empezó en un sillón”, esta frase parece no importar sino fuera por la escena en la que Juno le dice a Bleeker acerca de su embarazo. • La escena en la que el tendero grita a Juno “El que esté marcado con tu orina no quiere decir que sea tuyo, debes pagar por adelantado”, cuando ella se hace su tercera (o cuarta) prueba de embarazo. • Durante la visita que Juno hace a la asociación femenina, la recepcionista le pregunta “¿Quieres un condón?” a lo que ella responde “No gracias, estoy fuera del sexo por el momento”, la recepcionista termina la conversación diciendo “mi novio los usa siempre que tenemos sexo, dice que le gustan por que hacen que su miembro huela a pay” • En una conversación entre Juno y Bleeker, Bleeker: Aún tengo tu ropa interior, Juno: aún tengo tu virginidad, Bleeker: Quieres callarte! • Y muchas más… No escribimos más de esta película porque en definitiva tienen que verla… y escuchar la música por supuesto.
"La ciudad de México es un experimento antropológico y yo me siento parte de él. Soy sólo uno de los veintiún millones que vivimos en la ciudad más grande y poblada del mundo. Ningún hombre en el pasado vivió (más bien sobrevivió) antes a una ciudad con semejantes niveles de contaminación, violencia y corrupción, y sin embargo ella es increíble y paradójicamente hermosa y fascinante, y eso es Amores perros: el fruto de esa contradicción." La frase anterior es una declaración de Alejandro González Iñarritu, director de “Amores Perros”.
La trama de Amores Perros se desarrolla en la Ciudad de México, un accidente de coche involucrará a 3 personas mostrándoles el lado más perro de la naturaleza humana. La primera es en la que Gael García es protagonista, Octavio, enamorado de la mujer de su hermano, quiere escaparse con ella. Para conseguir el dinero que necesita se introduce en el peligroso mundo de las peleas ilegales de perros. Por otro lado esta la historia de Valeria, la bella modelo rubia y con gran futuro por delante, quien ha de enfrentarse a la nueva vida que le espera después de resultar brutalmente herida. El éxito y la felicidad de su vida anterior se transforman en dolor y sufrimiento. Finalmente, un misterioso mendigo que tiene muchos perros como mascotas, El Chivo, que se gana la vida como asesino a sueldo, revive su pasado a partir de un encargo que recibe. La calidad de las historias manejadas ha sido razón para que muchos críticos de cine comparen favorablemente a Iñárritu con Tarantino y con el director polaco Kieslowski. Antes de ahondar en lo que es la trama de la película, es importante hablar un poco acerca de la trayectoria de su director: Alejandro González Iñárritu Es un director orgullosamente Mexicano, estudió en la Universidad Iberoamericana y su primera aparición en los medios fue como locutor en la estación WFM en 1988, posteriormente se dedicó a hacer música para películas y más tarde regreso a las aulas a estudiar cinematografía. Trabajó como productor en Televisa y para sus 27 años ya figuraba entre los directores más jóvenes. Después de su experiencia en Televisa, creó junto con Martín Hernández y otros compañeros su propia compañía: Zeta Films, con la cual produjo comerciales, cortometrajes y programas de televisión; en esta época Iñárritu se dedicó a escribir guiones para comerciales y grabó su primer filme de larga duración: “Detrás del dinero”, el cual contó con la participación de Miguel Bosé. En el 99 Iñárritu dirigió “Amores Perros”, su primer gran éxito en cine. Posterior a esta ha participado en proyectos como el cortometraje de los atentados terroristas del 11 de septiembre, además de dirigir películas como “21 gramos” y “Babel” Como acabamos de mencionar, Iñárritu ha escogido al mismo guionista y al mismo compositor musical para sus tres creaciones. Guillermo Arriaga, escritor, guionista y productor mexicano, laureado con el premio al mejor guión en el festival de Cannes por “Los tres entierros de Melquiades Estrada”. Un dato curioso de este escritor es el hecho de que a los 13 años haya perdido el sentido del olfato debido a una pelea callejera, él mismo ha declarado que esto le ha servido de inspiración a la hora de escribir. Gustavo Santaonalla, compositor, músico y productor musical argentino, ha ganado dos veces el oscar a mejor música, una de ellas fue gracias a la película “Babel” en el 2006. (La otra con la que ganó el Oscar fue Brokeback Mountain). En su juventud, Santaonalla fundó una banda de rock llamada: Arco Iris. Como dato curiosos de este compositor, podemos mencionar a una de sus musas: Dana, una mujer 13 años mayor que él, a quien dedicó muchas de sus canciones y cuyas imposiciones relacionadas al alcohol, el sexo, drogas y carne llevó a la ruptura de la banda en el 75. “Amores Perros”, en cada historia de esta película el amor se ve retratado de una manera distinta, el amor de amantes enamorados en el caso de la supermodelo, el amor prohibido por la mujer del hermano en la historia en la cual participa el guapo Gael García y el amor filial del matón ex miembro del ejército por su hija. Y los perros, también hacen sus diferentes apariciones en el filme, Octavio (Gael), se aprovecha del suyo para ganar dinero, Valeria se desvive de una forma obsesiva por su pequeño Chihuahueño y el Chivo recoge a todo perro abandonado o herido para darles cariño y un lugar para vivir. Aunque, puede que haya más perros, representados por aquellos personajes reaccionarios que construyen el filme, sacan su lado más perro, su “lado animal” El estilo de filmes de Iñárritu se ha mantenido desde su ópera prima “Amores perros”. En filmes posteriores como “21gramos” y “Babel” ha mantenido constante el manejo de 3 historias, simultáneas y coincidentes pero nunca simultáneas, cada historia parecería no tener que ver con las otras y, sin embargo, conforme nos acercamos al final, Iñárritu forma un delgado hilo que teje y entrelaza las historias. Un filme no recomendable si esperas un final feliz, en esta película de tramas difíciles o imposibles ninguna de las historias termina bien; es más bien un relato de distintas realidades comunes que, repentinamente, toman un rumbo distinto, se van al extremo. Los diálogos están plagados de modos de lenguaje adecuados a los personajes; palabras y diálogos en inglés, frases snob y mejicanismos de barrio, hacen que el espectador se involucre en cada historia, logrando la sensación de estar metido en la escena, como en la propia vida cotidiana. (Es como estar espiando a alguien y que ese alguien no se da cuenta de lo que ves y los que sabes)
En “Amores Perros” la supervisión musical estuvo a cargo de Lynn Fainchtein quien ha desempeñado un papel importante en la música dentro del medio. Ha trabajado en películas como "Danzón"; como Promotora Musical ha trabajado con Lou Reed , Jethro Tull, entre otros. Locutora, programadora y directora de estaciones de radio como Rock 101, Espacio 59, Dimensión 13.80, Stereo Cien. Trabajó en MTV como Directora de programación, productora de noticias y especiale. Actualmente es supervisora musical de los sound tracks de las películas de Altavista Films. Como detalle curioso acerca de la creación de la música de esta película podemos mencionar el hecho de que la música del segundo disco fue compuesta por las diferentes bandas y solistas después de ver la película. Todas estas participaciones fueron recopiladas en un segundo disco con versiones inéditas de temas intitulados, todos, AMORES PERROS, así es 12 canciones todas con el mismo nombre pero por diferentes artistas Illya Kuriaky, Café Tacuba, Ely Guerra, Julieta Venegas, Bersuit, Control Machete, Cristian Fiebre, Moenia, Banda Espuela de Oro, Dover. En Definitiva Amores Perros es una de las cintas claves del cine Mexicano contemporáneo, su estreno coincidió con importantes cambios políticos en nuestro país durante el 2000 lo que dio a la cinta un significado peculiar de renovación y esperanza. Fue un renacimiento para el cine mexicano de calidad. La música fue concebida para contar la trama tanto desde dentro como desde fuera de cada una de las historias que se tejen. Cada track suma las piezas necesarias para la narración del dolor humano y que la película ha sido musicalizada con esto en mente. Nominada al Oscar como Mejor película extranjera, “Amores Perros” busca y logra que la sencillez sea la principal filosofía a la hora de contar una historia… en definitiva una obra maestra del cine mexicano.
Cuando escuchamos a Jim Strugess interpretando el cover de “Across the Universe”, tema que inmortalizaran los Beatles, no podemos evitar remontar nuestra cabeza a los años 60’s, época llena de color, rock and roll, paz y amor. “Across the Universe” es un musical, con una historia bien contada, inspirada en la música de los Beatles. A diferencia de otros musicales, donde la historia se crea primero y luego se insertan las canciones en ciertos puntos clave, aquí las canciones hicieron la historia.
Fue dirigidia por Julie Taymor (directora de cine característica por su alto grado de creatividad, trabajo arduo e imaginación, ha dirigido películas como: Frida, el musical de El Rey León) dice que la intención era retratar la época de los 60s, la cual no se puede contar separada de la música. Por ello se eligieron 33 canciones, que cuentan la historia de una era y una generación. El filme nos lleva desde Liverpool hasta un Greenwich Village sicodélico y de contracultura, desde las calles de protesta de Detroit hasta los campos de masacre de Vietnam. Across the universe nos presenta una historia que nos proporciona una experiencia artística y romántica, al tiempo que retrata la realidad brutal de la guerra promovida por el Tío Sam en Vietnam y la traición que implicaba no participar en la guerra para los jóvenes de esta época. Canciones de amor y política. Estas letras hacen la historia, son el libreto y contienen la emoción de los personajes. Nada mejor que una canción para expresar un sentimiento. En esta película, los personajes fueron creados para las canciones. Y aunque no se cambiaron las partes de las canciones, estas funcionaron de manera diferente de acuerdo al contexto en que fueron insertadas. Tv. Carpio cantando I want to hold your hand, por ejemplo habla de un amor reprimido, está confundida, termina la canción y no se necesita indagar en la historia del personaje, porque la canción lo dice todo. I Want You por ejemplo refleja la campaña del tío Sam, que reclutaba a jóvenes para la guerra, por eso la canta Max, pero adquiere un doble significado, cuando torna a la pareja de SAdie y Jo-Jo. Cuando Jude canta “Revolution”, la canción lo dice todo, mas que lo pudiera hacer un diálogo, la letra de la canción y su música se expresan por él. Es este juego, de coreografía, expresión facial, corporal y musical que llevan a una explosión en su conjunto.
La aparición de Bono, es interesante pero fugaz, cabe mencionar que Bono acababa de dar un concierto en Madison Square Garden cuando tenía que ir a grabar una de sus escenas. Su personaje, Dr. Robert está inspirado en Neal Cassady, el original conductor del Ken Kessey camión Furthur. Taymor trabajó con el compositor Goldenthal, en busca de hacer una nueva versión de las canciones de los Beatles, no mejores, ya que las originales son perfectas en su creación, sino sólo un producto diferente. Respecto al audio en esta película, para la interpretación de cada una de las canciones se tuvo que grabar en tres distintas fases: Una con micrófono de estudio, dos con un micrófono boom, como los que normalmente se usan en set y el tercero con un micrófono lavalier, también usados en set. El primero le servía al actor como una guía, le ponían como un chícharo en el que él escuchaba su pre-grabación y de ahí se guiaba. Obviamente esto se hizo para tener un respaldo del audio, pero en general se intentó dejar las canciones tal como se representaron en vivo, porque no se quería que fuera como el típico musical que de repente deja de hablar y comienza a cantar, como si pasara a otra dimensión, que es la sensación que da la música grabada en estudio. Se quería más bien, que todo fuera cercano, identificable, que se escuchara también el ambiente, que fuera un fluir libre, entre el diálogo y la música, porque a final de cuentas las canciones eran los diálogos, no tenía porque sentirse diferencia. Estas escenas fueron difíciles de rodar, porque en estas sesiones se requería de un completo silencio por parte del crew. Las cuestiones coreográficas son una experiencia alterada. Tal como relata Ezralow, coreógrafo de Across the universe, es como cuando tu vas por la calle con tu IPod, la gente y tú mismo, parecen tener el ritmo de tu música es una experiencia sensorial. Un gran rodaje y una gran interpretación y trabajo por parte de los actores, quienes para muchos fue su debut y para otros tantos su lanzamiento y descubrimiento como nuevos talentos.
Relaciones de los nombres de los Personajes: • Jude y Lucy con sus nombres “beatlescos”, emblemáticos de época… • Cada uno de los personajes nos remite a prototipos o artistas de la época. • El hermano de Lucy, Max (Joe Anderson), es el reclutado a fuerza y quien vive la guerra de cerca. • Sadie (Dana Fuchs).- es la cantante tipo Janis Joplin • Jojo (Martin Luther).- es el guitarrista excepcional tipo Jimmy Hendrix. • Prudence (T.V. Carpio).- es la artista que apoya todo lo relacionado con el amor y paz, tipo Yoko Ono (también asiática). • Dr. Robert (Bono) y Mr. Kite (Eddie Izzard).- guías del grupo de amigos. • Salma Hayek como la enfermera sexy latina. Dato extra: “The Secret Machines” (rockeros neo-sicodélicos) colaboraron con Elliot Goldenthal (ganador del Oscar como compositor) en las versions de “Flying” y “Blue Jay Way”. La música ayuda a encapsular tiempo, porque te permite ir más rápido al expresar un estado emocional, e incluso te permite ir a otro nivel, más elevado y dramático. En otras palabras, te permite expresar más fácilmente los sentimientos y transmitir esas emociones, sin necesidad de diálogos estrictos y cuadrados, en los que tal vez, sea más difícil expresar esa intención. Les compartimos el Trailer:
El viernes después del 14 de febrero aún se podía sentir el olor a miel en el aire, un día antes los globitos de corazón, las flores, las cartitas y chocolates estuvieron presentes no solo en nuestra universidad sino, me atrevo a decir, que en todo el mundo. En un afán de conservar el ambiente meloso, elegimos el soundtrack de una de las películas más cursis que he visto, de esas que te dejan suspirando con cada escena. Love Actually, es una película que nos presenta el amor desde muchos ángulos, llevándonos de aquel amor inocente y desinteresado de un niño de 10 años, pasando por el amor frustrado, el amor imposible y el amor entre amigos; hasta el amor que surge entre una pareja de actores de películas pornográficas. “El amor está en todas partes”, es una de las primeras frases que pueden escucharse en esta película, y en cada escena se intenta convencer al espectador de la veracidad de esta cita, consiguiendo su objetivo al final. Cada track de esta banda sonora nos ofrece la descripción de una historia diferente, dándonos así la oportunidad de identificarnos libremente con la que más nos guste. La historia (o historias) se desarrollan en Londres, en la época actual, cada una de ellas involucra diferentes personajes, diferentes contextos, edades y emociones: el primer ministro, el escritor, un padrastro viudo, un rockero, una pareja de actores, entre otros personaje, nos dejan ver los muchos lados del amor y la fortuna que significa la oportunidad de poder enamorarse. . Esta película fue dirigida por Riachard Curtis, en ella Curtis hace su debut como director, entre sus trabajos previos como guionista podemos encontrar: Cuatro Bodas y Un Funeral (1994), Notting Hill (1999) y El Diario de Bridget Jones (2001), así como algunos episodios de la serie de Mr. Bean. Sabiendo esto, no nos debe extrañar el buen conocimiento que Curtis tiene de la comedia y de las historias románticas, mismo que se ve reflejado en esta cinta que además cuenta con un elenco variado y de gran calidad. Quizá pueda parecer cursi, pero casi puedo garantizar que terminarán de verla con una gran sonrisa en la boca y con un sentimiento de que la vida puede ser mucho mejor. Encantadora, romántica y mágica, Love Actually es una de esas cintas que te hacen reconciliarte con las delicias del amor y la dulzura del romance… ¿Quién no quiere un detalle tan romántico como el de la boda de Pam en la película?... les dejo la escena, disfrutenla!
"Elige la vida. Elige un empleo. Elige una carrera. Elige una familia. Elige un televisor grande que te cagas. Elige lavadoras, coches, equipos de compact disc y abrelatas eléctricos. Elige buena salud, colesterol bajo y seguro dental. Elige hipoteca a interés fijo. Elige un piso piloto. Elige a tus amigos. Elige ropa deportiva y maletas a juego. Elige pagar a plazos un traje de marca en una amplia gama de putos tejidos. Elige bricolaje y preguntarte quién coño eres los domingos por la mañana. Elige sentarte en el sofá a ver teleconcursos que embotan la mente y aplastan el espíritu mientras llenas tu boca de puta comida basura. Elige pudrirte de viejo cagándote y meándote encima en un asilo miserable, siendo una carga para los niñatos egoístas y hechos polvo que has engendrado para reemplazarte. Elige tu futuro. Elige la vida… ¿pero por qué iba yo a querer hacer algo así? Yo elegí no elegir la vida: elegí otra cosa. ¿Y las razones? No hay razones. ¿Quién necesita razones cuando tienes heroína?" (Monólogo incial de la película) Trainspotting es una película británica de 1996 dirigida por Danny Boyle. La trama de la película gira alrededor del día a día de un grupo de heroinómanos de Edimburgo que no tienen aspiraciones en su paso por la vida. Irvine Welsh, autor de la novela homónima en la cual esta basada la película, aparece como Mikey Forrester, un punk que vive en una habitación con tan solo un colchón. La banda sonora de la película está provista de una estupenda dosis de rock que va desde los setenta a los noventa, en ella participan bandas como Lou Reed (Perfect Day) e Iggy Pop, algo un poco más pop de Blur y Pulp, música ambiental de Brian Eno, y un toque de experiencia house con la inclusión de Primal Scream, New Order, Underworld, Elastica, KYO, entre otros grupos. El título Trainspotting tiene un doble significado, por un lado hace referencia a un pasaje del libro en el que Begbie y Renton conocen a un borracho en la estación de trenes. Begbie y Renton usan la estación para hacer sus necesidades y el borracho les pregunta, intentando hacer un chiste, si están haciendo "trainspotting". Por otra parte hace referencia al argot escocés en donde el termino "trainspotting" significa buscar una vena para inyectarse droga. El término anglosajón "trainspotting" se utiliza para refererirse a la afición relativamente popular en el Reino Unido de observar trenes. Este hobby es similar al de la planespotting, pero con aviones en lugar de trenes. Trainspotting es considerada una de las películas de culto de los años noventa. Tras el estreno de Trainspotting, su director: Boyle declaró a los medios que prepararía la secuela, que tendría lugar diez años después de su película original, la razón de esta espera se debía al deseo del director de contratar a los mismos actores cuando estos envejecieran visiblemente. Hoy, en el año 2008 aún no hay noticias de dicha secuela. El guión de esta película estuvo nominado al Oscar, podemos percibir su genialidad en cada uno de los diálogos. Una película genial en toda la extensión de palabra, una obra maestra, que sin pretender salvar al mundo ni llenarlo de lecciones morales, nos presenta una historia excepcionalmente narrada, y una gran moraleja que va desde las líneas del comienzo hasta la frase final.
